Una conversación íntima sobre naturaleza, abstracción y formas de habitar el mundo desde el arte.
En el marco de la Semana del Arte en México, Sofía presenta una selección de obras de Botanical Memories en Casa Huakal, explorando la naturaleza como una forma diaria de vida.
¿Cómo fue tu encuentro con el mundo del arte?
Soy licenciada en comunicación, pero siempre estuve muy relacionada con el arte por mis padres que eran diseñadores de indumentaria y tenía un padrino que era artista. Siempre estaba muy metida ya sea en mi casa o visitando talleres que mis padres me pedían que los acompañe. También mi padrino me invitaba mucho a sus muestras de arte, así que siempre estaba en contacto con museos y muestras.
Y desde chica yo pinto, tengo el recuerdo de pintar desde muy chica, además también estudiaba danza así que siempre estuve muy ligada al mundo del arte desde muy pequeña.
Botanical memories nace de un lugar muy específico ¿Qué es lo que más te llamó la atención de ese lugar para llevarlo al mundo del arte?
Estaba en un viaje en una de las salidas que hice, visité una isla, llamada isla del rey en Menorca. Ahí, esperaba visitar una galería nueva cerca y después pensaba almorzar, pero al momento de llegar, vi toda una situación de vegetación, flores y plantas que estaban en este ambiente tan hostil en medio de la isla. Un lugar no tan amable para ciertas flores y sin embargo, todo el paisaje y el diseño de ese jardín inmenso, lo veía como una belleza impresionante.
Quedé conmovida con las especies que había visto en esta experiencia y me dieron muchas ganas de volcarlo a mi regreso en Argentina, a ponerme a pintar y contar un poco más sobre esa naturaleza que me había conmovido en la Isla. Y es así como pinté, no de manera literal. Yo no quería mostrar una flor o una planta, pero sí ciertos rasgos o formas orgánicas que podían aparecer en mis pinturas. Así surge esta serie de dibujos, pinturas y cerámicas, que mantienen el lenguaje de esos serigrafiados que aparecen tanto en los lienzos, como en las cerámicas.
Tus obras no representan la naturaleza de forma literal. ¿Buscas que el espectador imagine sus propias formas y significados a partir de ellas?
Mi intención es esa. Yo plasmo en lienzos los recuerdos y experiencias que yo tuve, eso lo llevo a la tela y yo pretendo que cada uno vea lo que con sus ojos pueda percibir, desarmar y llevarse de ahí lo que cada uno encuentre. En algunos rincones de la tela hay formas que te remiten como una flor, pero no una flor bien armada. Siempre digo que la naturaleza aparece desarmada y la voy contando de manera abstracta, como es mi pintura. Y mi intención es esa, ser fiel a mi lenguaje y que cada uno interprete ahí lo que pueda interpretar en los lienzos.
De lo tangible al universo abstracto de Sofía
“El color, es un punto clave para transformar algo tangible en abstracto. Yo trabajo mucho con el color y con él transmito muchas emociones, existe mucho de lo emocional en las telas. El color es un tema que está presente en casi todos mis trabajos y yo creo que gran parte de ese desafío es a través del uso del color, además de las formas y los signos que van apareciendo, que te pueden remitir y llevar al mundo de la naturaleza, es un poco la manera que tengo de llevarlo”.
-Sofía Gallo.
En esta serie hablas de un “paisaje casi propio”. ¿Cómo se construye y qué representa para ti?
Me considero una pintora abstracta y lo que hago desde hace varios años, es estar en contacto con distintas situaciones del entorno natural, salgo a buscar referencias, texturas, colores, me llevo fotos de esos entornos naturales en los que estoy sumergida. En las telas creo estos paisajes bien bien abstractos, que muy pocos le llamarían “paisajes” de forma literal. Pero sí se percibe al finalizar la pintura, según mi forma de verlo, un paisaje. Siempre manteniendo esa forma o esos serigrafiados de los que hablo siempre, que forman parte de mi catálogo de signos y gestos.
Un diario íntimo convertido en caja de herramientas de arte
Cuando me preguntan si trabajo con bocetos, la realidad es que no. Tengo un catálogo, como si fuera de signos y gestos, que forman parte de un estudio que va creciendo año con año. Un cuaderno al que yo recurro para refrescar mis formas, es un trabajo que hago con el tiempo, de manera inconsciente. Por eso cuando pinto salen automáticamente, todos esos garabatos que yo ya vine estudiando de mi repertorio. Todo está ahí, en ese diario que me creé personalmente.
Cada colección nace de una inspiración distinta, pero siempre hay una idea inicial. ¿Cómo se transforma ese proceso creativo hasta volverse algo físico en tus obras?
Sí, cada serie tiene algo de lo cual quiero hablar, en este caso puntual es la naturaleza pero anteriormente había un fuerte interés con la escritura, signos gráficos con los que trabajo, y también encuentro un vínculo con que yo soy licenciada en comunicación y siempre me interesó el tema de la letra en sí. Entonces siempre parte de algo en particular y conectado conmigo misma.
¿Con qué materiales sientes que tienes mayor control creativo para explorar y darle un sello más personal a las obras?
El tema de los papeles es un medio que a mí me interesa muchísimo, porque es el que más me permite hacer y que los materiales se mezclen de una forma. Sobre todo, que queden con la intención que yo quiero, los puedo manejar más.
La cerámica nunca sabes cómo va a quedar hasta que sale del horno, ahí termina haciendo su parte por su cuenta. Tiene un grado de sorpresa bastante grande y no tienes total control.
Yo diría que en el papel y la tela hay más manejo y no tienes que tener tanto cuidado como suele ser con la cerámica.
¿Especialmente en esta serie, hay algo que sientas muy personal o íntimo?
Yo creo que esta intención de tratar de meter al espectador en la naturaleza. Tratar de mostrarle a través del color y de la forma este interés en la naturaleza y sumergirlo en este mundo y este entorno.
Creo que tiene que ver con algo personal mío, que es donde yo me he estado moviendo en este último tiempo, donde yo quiero estar permanentemente, donde voy a buscar mi información y saco fotos.
Es como llevar al espectador al mundo donde a mí me gusta estar.
En el momento creativo en el que te encuentras ahora, ¿hacia dónde sientes que va tu búsqueda artística?
Ahora me encuentro en un proyecto bastante grande. Estoy trabajando en una instalación de piezas de cerámica, que van a pretender ser como un jardín zen, donde van a estar apoyadas sobre arena, con sonidos de naturaleza y activaciones meditativas. Quiero seguir llevando la naturaleza hacia un ámbito meditativo, un poco con este proyecto que viene.
La mayoría de tus obras habla sobre resistencia, adaptación y transformación. ¿Qué te gustaría que los espectadores sientan al ver tus obras?
Siempre me gusta conmover hacia algún lugar al espectador, ya sea desde generarle algo a la persona que lo está mirando. Y yo creo que al contar sobre esta vegetación, sobre esta experiencia mía en la isla, mi intención es sumergirlos en ese ambiente de tranquilidad que tiene la naturaleza y que te puede llenar de tanta energía.
Para quienes aún no se sienten cercanos al arte, pero desean acercarse, ¿qué les recomendarías?
Para mí el arte es como una forma de vida, no me imagino una vida sin el arte en el medio. Y creo que aparecen ahí los intereses más profundos de cada uno porque es un lugar tan grande que de una u otra forma uno se puede encontrar. Si aún no lo han descubierto, es algo que puede cambiarles la vida. Yo hoy ya lo tengo tan incorporado, que veo a uno de mis hijos jugando y estoy imaginando algo con mi próxima serie, a través de verlo a él.
El arte es eso, si no lo descubren aún, está bueno que se acerquen porque pueden encontrar ahí, una inmensidad de posibilidades para tener una vida mejor.
