El CHANEL Next Prize se consolida, en su tercera edición, como uno de los reconocimientos más relevantes del panorama cultural contemporáneo. Impulsado por el Chanel Culture Fund, este premio internacional bienal apuesta activamente por el futuro de la creación al respaldar a artistas que están transformando sus disciplinas. A través de una plataforma de acompañamiento a largo plazo: cada uno de los diez artistas seleccionados recibe 100 mil euros sin restricciones, además de un programa de mentoría y acceso a redes profesionales durante dos años, en colaboración con instituciones como el Royal College of Art de Londres.
La edición 2026 reúne a diez creadores cuyas prácticas dialogan con el presente desde lenguajes diversos como la música, el cine, la danza, el arte visual, el performance y el diseño y que, en conjunto, reflejan una visión profundamente interdisciplinaria y global de la cultura actual.
El CHANEL Next Prize abre con la presencia mexicana de Bárbara Sánchez-Kane, cuya práctica se sitúa en la intersección del arte, el diseño, la escultura y la performance. Su obra explora el cuerpo como un espacio atravesado por poder, deseo e identidad, utilizando objetos cotidianos, símbolos culturales y referencias institucionales para cuestionar estructuras sociales profundamente arraigadas.
A través de instalaciones, acciones performáticas y piezas vestibles, Sánchez-Kane desarma códigos asociados al género, la autoridad y la normatividad, proponiendo nuevas lecturas desde una mirada crítica y contemporánea. Su trabajo ha sido presentado en escenarios internacionales como la Bienal de Venecia, consolidando una práctica que dialoga tanto con el arte como con el pensamiento social y político actual.
En el terreno musical, Ambrose Akinmusire destaca como una de las voces más singulares del jazz contemporáneo. Trompetista y compositor estadounidense, su obra desborda los límites del género al integrar improvisación, música clásica y experimentación sonora. Sus composiciones no solo buscan la sofisticación técnica, sino que exploran temas íntimos y sociales, convirtiendo la música en un espacio de reflexión emocional y política.
Desde el cuerpo y el movimiento, Marco da Silva Ferreira redefine la danza contemporánea al mezclarla con lenguajes urbanos y la cultura de club. Autodidacta y profundamente conectado con el espacio público, su trabajo cuestiona las jerarquías tradicionales de la danza escénica y propone nuevas formas de presencia física, donde el cuerpo se convierte en un territorio de resistencia y exploración social.
Pan Daijing, artista y compositora, trabaja en la frontera entre sonido, imagen y espacio. Sus instalaciones y performances generan experiencias sensoriales inmersivas que apelan directamente a la memoria y a la percepción corporal. A través del sonido como elemento central, su obra invita al espectador a habitar estados emocionales complejos y ambiguos.
En el ámbito cinematográfico, Payal Kapadia ha construido una filmografía que diluye las fronteras entre documental y ficción. Su lenguaje visual, poético y contemplativo, transforma historias personales en paisajes oníricos donde la memoria y la intimidad ocupan un lugar central. Su reconocimiento internacional confirma el poder del cine como herramienta para narrar realidades emocionales profundas.
La artista surcoreana Ayoung Kim aborda el impacto de la tecnología en la vida contemporánea mediante video, sonido y entornos digitales inmersivos. Sus obras analizan cómo los algoritmos, las plataformas y la economía digital moldean nuestra percepción del cuerpo y del mundo físico, cuestionando las estructuras invisibles que organizan la vida cotidiana.
Desde Nigeria, Emeka Ogboh convierte el sonido en archivo cultural. Sus instalaciones multisensoriales, construidas a partir de grabaciones urbanas, documentan la experiencia social de las ciudades y reflexionan sobre temas como la migración, la globalización y la memoria colectiva. Escuchar, en su obra, es una forma de entender el mundo.
La coreógrafa colombiana Andrea Peña trabaja desde la memoria corporal y ancestral. Su práctica combina danza, performance e investigación cultural para explorar cómo el movimiento puede narrar historias de identidad, resistencia y pertenencia, muchas veces en diálogo directo con comunidades y contextos específicos.
El francés Pol Taburet aporta una visión pictórica que mezcla referencias históricas, cultura popular y una imaginería que dialoga con sus raíces caribeñas. Sus obras, realizadas con técnicas tradicionales y contemporáneas, construyen universos visuales donde lo real y lo fantástico conviven en tensión constante.
Finalmente, Álvaro Urbano, artista español radicado en Berlín, utiliza réplicas hiperrealistas de plantas y elementos botánicos para crear instalaciones que reflexionan sobre identidad, deseo y experiencia queer. La naturaleza, en su obra, se transforma en un lenguaje simbólico cargado de significado social y emocional.
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